Oscar 2026 a la Mejor película: tentativa de pronóstico

Con 16 nominaciones, Sinners es la película más nominada de la historia del Oscar.

Por supuesto que solo a mis amistades y a quienes leen este blog les interesa mi pronóstico sobre quién ganará el Oscar 2026 a la Mejor película. No he seguido como un apostador profesional los premios que cada una de las producciones ha ganado en la temporada previa al Oscar, pero algo he leído al respecto y he visto casi todas las nominadas, excepto una[1], y todas las favoritas de las quinielas. Entre las favoritas están Sinners, One Battle After Another, Hamnet, Marty Supreme y Sentimental Value, que son propuestas de cine tan disímiles que vuelven muy difícil el intento de compararlas. Esta tentativa de pronóstico, por lo tanto, es una mezcla de mis gustos de cinéfilo, la cercanía emocional con los asuntos tratados y la profundidad de la problemática ética que el filme plantea.

Brad Pitt en F1: The Movie

           Antes que nada, quiero descartar algunas nominadas. F1: The Movie, dirigida por Joseph Kosinski, me dio una inesperada jornada de entretenimiento para un domingo de tarde. Se trata de la reivindicación de un viejo piloto de Fórmula 1 con un final feliz y mesurado. Está interpretada por un Brad Pitt que todavía camina y sonríe como en Thelma & Louise. Ni siquiera la fanaticada de Fórmula 1 o de BP alberga alguna esperanza de que gane la estatuilla. Bugonia, dirigida por Yorgos Lanthimos, es una disparatada comedia de ciencia ficción que trivializa el impacto mortal de las farmacéuticas en la salud de una comunidad, haciendo que una de las víctimas sea un lunático violento y que la despiadada gerente de la farmacéutica, finalmente, calce en las alucinaciones conspiranóicas de aquel. Afortunadamente, la tierra plana del filme es destruida, lo que incluye a la propia película.

Train Dreams se puede ver en Netflix

           Train Dreams, dirigida por Clint Bentley, es un western íntimo, cargado de afectos profundos, con una actuación descollante de Joel Edgerton como el leñador que trabaja en la tala de árboles para los durmientes de la línea férrea en el Oeste norteamericano, a comienzos del siglo XX y que, al perder a su esposa, intenta reconstruir sus vida. Asistimos a una bella meditación sobre la vida, sus visicitudes y el espíritu del amor que permanece hasta la muerte, pero, dado el nivel de las favoritas, la sensibilidad de su propuesta no le alcanza para el Oscar.

Leonardo DiCaprio desarrolla un excelente papel protagónico en One Battle After Another. 

One battle after another, dirigida por Paul Thomas Anderson, está protagonizada por un Leonardo DiCaprio que es capaz, como dice mi hija, de crear un personaje con solo sujetarse el pelo con un moñito. La problematización de una revolución imposible en la sociedad norteamericana, de la existencia de una organización de millonarios supremacistas que se sienten por encima de la ley, y de los vínculos afectivos entre un padre desastroso y una hija vehemente, valiente y con conciencia de clase, está muy bien lograda. Es un drama de acción con una fuerte carga política que consigue un cierre optimista a pesar de reconocer la existencia de un poder militar, casi invencible, que sostiene el engranaje de la dominación. Es mi favorita, pero no creo que gane.

Timothée Chalamet en Marty Supreme.

          Marty Supreme, dirigida por Josh Safdie, es una comedia de humor oscuro sobre un antihéroe más antipático que el ganster barrial o el millonario esposo de la actriz que se convierte en la amante del microtenista, interpretado impecablemente por Timothée Chalamet. A propósito, en los últimos días, Chalamet ha hecho lo posible por ser más antipático que el propio Marty o que Karla Sofía Gascón, al declarar, con la franqueza de los idiotas que se sienten brillantes, que no querría trabajar en la ópera o el ballet porque son artes que ya no le interesan a nadie. Enseguida dijo la típica frase de los que acaban de insultarte: «Con todo el respeto a la gente del ballet y la ópera», y añadió riendo: «Acabo de perder 14 centavos en audiencia. Estoy disparando sin motivo alguno». Pero no estoy votando por el Señorito Simpatía. La película tiene un ritmo trepidante, aunque a ratos el delicuente de barrio que es el Marty fullero se transforma en socio de un gánster o quema una gasolinera o se humilla ante un financista con tal de conseguir un ticket para jugar ping-pong. Es una gran película, pero me causa repulsión.

Stellan Skarsgård y Renate Reinsve en Sentimental Value.

          Si yo votara, lo haría por Sentimental Value, dirigida por Joachim Trier, o por Hamnet, dirigida por Chloé Zhao. La dos películas desarrollan la idea de la existencia de un espíritu sanador a través del arte teatral y la manera como el teatro representa la vida en toda su extensión. En ambas, el duelo y el remordimiento atraviesan a los personajes y, en ambas, la purificación y la piedad son posibles gracias a la pasión que tiene lugar en la escena. Son películas distintas en su tiempo y localidad, en el carácter de sus personajes, en su cinematografía, pero, al mismo tiempo, son películas que conversan con los espectadores en tono íntimo y diseccionan el desgarramiento al que los seres humanos estamos sometidos cuando se trata de nuestros dolores íntimos. Ahora bien, como tengo que votar solo por una, lo haré por Hamnet.

 

Michael B. Jordan como los hermanos gemelos Smoke y Stack, protagonistas de Sinners.

             Sin embargo, la que seguramente ganará el Oscar a la Mejor Película es la taquillera Sinners, dirigida por Ryan Coogler, que con diecéis nominaciones es la película más nominada de la historia del cine. Sinners tiene la extraña cualidad de ser una película transgenérica: es un drama histórico sobre el racismo, en el sur de los Estados Unidos, en el tiempo de las leyes Jim Crow, un espectacular musical sobre el jazz y su evolución, una película de horror sobrenatural, narrada con una desenfadada sensualidad, y que envuelve a su protagonista en un drama amoroso signado por el duelo. Además, DiCaprio la tiene difícil frente a la comentadísima intepretación dual de Michael B. Jordan como los dos hermanos gemelos protagonistas del filme. Temáticamente ambiciosa, combina vampirismo y folclor afroamericano, y su síntesis se conjuga en tiempos contemporáneos en un bar de Chicago: ahí se reunen el músico y los vampiros como la metáfora visual de la eternidad de la música, en general, y del jazz, en particular, con todo lo que ello conlleva en términos culturales y políticos.  

Así que cerraré este artículo citando una verdad de Perogrullo que me genera la intelegencia artificial cuando le pregunto su pronóstico: «En última instancia, el resultado dependerá de cómo voten los miembros de la Academia, que suelen premiar tanto la relevancia cultural como la excelencia cinematográfica. Si la tendencia actual continúa, la competencia probablemente se decidirá entre Sinners y One Battle After Another, dos películas que representan visiones muy diferentes del cine contemporáneo, pero que comparten una ambición artística que las convierte en dignas aspirantes al premio más prestigioso de la industria». La IA juega al rojo y negro. Yo prefiero seguir apostando en mis sueños a que Hamnet gane el Oscar a la Mejor Película.

 

Jessie Buckley está maravillosa en Hamnet. Paul Mescal es un Shakespeare digno.

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[1] Para la escritura de esta entrada no alcancé a ver El agente secreto, dirigida por Kleber Mendonça Filho. Luego de los azotes correspondientes, me comprometo a verla algún día de esta semana. 

Wagner Moura en El agente secreto, que también está nominada al Oscar a Mejor Película Internacional.

Actualización del 10 de marzo: Anoche vi El agente secreto y, como me sucede con el cine brasileño, la película me gustó por el manejo del drama personal en el contexto de una dictadura civil-militar (1964-1984). No tiene la profundidad conmovedora de Aún estoy aquí ni una actuación que se asemeje a la fortaleza espiritual que le imprime Fernanda Torres al personaje de Eunice, pero El agente secreto, que ocurre en el carnaval de Recife de 1977, maneja con efectividad la sátira carnavalesca para describir a los represores y sus métodos burdos y crueles, y, al mismo tiempo, presenta la intimidad familiar de los protagonistas, víctimas de la violencia represiva. La película se abre con una escena casi surrealista: un muerto a tiros en una gasolinera al que la policía local, más interesada en extorsionar a un conductor, no le presta atención. Luego, nos entrega la historia de una pierna que patea a homosexuales y prostitutas en un parque y que los diarios sensacionalistas la presentan como noticia; unos matones de la dictadura tan crueles como estúpidos; cien muertos durante el carnaval que son celebrados como un éxito de la fiesta; y así. El equilibrio lo ponen las víctimas y sus vidas sencillas. Además, el filme tiene una serie de guiños-homenajes desde el cine al cine (Tiburón dialoga con parte de la trama; el cine del barrio exhibe afiches de los estrenos de Doña Flor y sus dos maridos y Pascualino Sietebellezas, y, como en Cinema Paradiso, la cabina de proyección es un espacio protagónico). Si bien no está entre mis favoritas para el Oscar, El agente secreto, protagonizado de manera brillante por Wagner Moura, es un thriller político de buena factura cargado de nostalgia, rebeldía y esperanza.  

 

Hamnet, Hamlet: «el resto es silencio»

           

Al centro, Jessy Buckley que hace una interpretación extraordinaria de Agnes, la esposa de Shakespeare, en Hamnet (2025). La película está dirigida por Chloé Zhao, que escribió el guion con Maggie O'Farrell, autora de la novela homónima. Hamnet tiene ocho nominaciones al Oscar 2026: película, directora, actriz, guion adaptado, banda sonora, diseño de producción, vestuario y casting.

            Terminé de leer la novela Hamnet, de Maggie O’Farrell, e inmediatamente vi la película homónima de Chloé Zhao, en la que la escritora es coautora del guion. Tengo la sensación de haber asistido a la conjunción de dos artefactos de la creación artística que consigue que el espíritu humano transite por el camino del dolor y su liberación a través de la naturaleza y la escritura. La novela y su lograda adaptación al cine nos hablan, entre otros temas, del sentido de la naturaleza en la vida del ser humano, del duelo de una madre por la muerte del hijo y de la sanación que proviene del arte.

            No es una novela sobre Shakespeare ni sobre su obra. Aquí, Shakespeare es un pretexto. O’Farrel ni siquiera lo nombra en su novela[1], aunque sí en la película, en donde adquiere más relevancia la actividad teatral del padre de Hamnet. La novela y la película están protagonizadas por una mujer llamada Agnes[2]: ella representa la naturaleza y lo que esta significa para la preservación de la vida; ella da cuenta de la sabiduría ancestral que proviene del descubrimiento de las plantas, de todos los seres vivos; ella es una criatura en estado puro y, por tanto, un espíritu libre. «Dicen que es demasiado salvaje, que ningún hombre la desposaría. Su madre, Dios la tenga en su gloria, era gitana, o hechicera, o un espíritu del bosque: el preceptor ha oído contar muchas historias fantásticas de ella» (pos 492). En la novela y la película, Agnes simboliza la conexión primitiva del ser humano, y la mujer en particular, con la sabiduría que emerge del conocimiento de la naturaleza.

            Tanto en la novela como en la película la muerte de Hamnet marca las dos partes de la narración. Agnes, entonces, comienza su duelo: para ella, el mundo se ha detenido, pero para el padre de Hamnet, el mundo sigue andando y él tiene que regresar a Londres a trabajar, pues la compañía teatral lo está esperando. En la respuesta de Agnes se condensa la diferencia en la manera de vivir el duelo; para la madre, la muerte de Hamnet es la muerte del mundo: «¿Cómo puedes pensar en irte? […] Hamnet ha muerto» (pos 3641). Las razones prácticas del maestro de latines carecen de sentido para Agnes. Ella siente que ha fallado, que no leyó bien los signos, que no preparó las pócimas adecuadas y las palabras de consuelo de su marido no le sirven. Ella, que oye a los muertos, no alcanza a escuchar al suyo: el proceso interior por la pérdida del hijo es infinito: la asunción del duelo de la madre es lo que permite al alma del hijo transitar, finalmente, hacia el inframundo. Mientras tanto, ella lo sigue buscando, sabiendo que ya no está.    

            De pronto, la noticia. En Londres, la compañía de Shakespeare estrena Hamlet. ¿Cómo se ha atrevido el padre a ponerle el nombre del hijo a una de sus obras? Agnes decide confrontar a su marido y, con su hermano Bartholomew, va a Londres. Es el encuentro de la naturaleza con el arte. En la representación teatral, Agnes contempla el mundo en el que vive su marido y entiende cómo en el escenario aquel ha transformado el dolor por la pérdida del hijo de ambos en el duelo que se introduce en todos los asistentes al teatro. La función sanadora del arte nos muestra la manera de llevar el duelo en el silencioso proceso creativo que transforma el dolor real del autor en el dolor que se desprende de la tragedia y que comparte con la audiencia: la imagen de los espectadores queriendo tocar al Hamlet que acaba de morir sobre el escenario es la imagen de la catarsis del dolor y la vivencia del duelo personal de cada uno.

            Hamnet, la novela y la película, llenan con ficción los vacíos de la historia de Agnes, la esposa de Shakespeare, y la dibujan como una mujer conectada vitalmente con la naturaleza; desarrollan el tema del duelo por la muerte del hijo y muestran cómo se da la purificación, inmanente a la tragedia teatral de la que hablaba Aristóteles, mediante el temor y la compasión. Agnes sabe que después de la muerte, el resto es silencio, pero, asimismo, descubre en la obra teatral de su marido que —por la representación de la memoria que posibilita el teatro— su hijo vivirá para siempre.

La del estribo 

           «Este Hamlet del escenario es dos personas, el joven, vivo, y el padre muerto. Está vivo y muerto al mismo tiempo. Su marido lo ha devuelto a la vida de la única forma que podía. Mientras el fantasma habla, se da cuenta de que, al escribir esta obra, se ha cambiado el sitio con su hijo. Ha cogido la muerte de su hijo y la ha hecho suya; se ha puesto él en las garras de la muerte y ha resucitado al hijo en su lugar. Ha convertido la muerte de su hijo en la suya propia. ¡Ah, qué horrible! ¡Qué horrible! ¡Qué horrible!, murmura su marido con una voz de ultratumba al recordar la agonía de su muerte. Agnes comprende que ha hecho lo que habría deseado hacer cualquier padre, sufrir él para que no sufriera su hijo, ponerse en su lugar, ofrecerse a sí mismo a cambio para que el niño pudiera vivir».

 

            Este texto que habla sobre cómo el arte posibilita llevar el duelo es hermoso y, al mismo tiempo, encierra una paradoja: Hamlet sobrevive al padre, pero no sobrevive a la intriga y la traición palaciega urdida por su tío Claudio. Hamlet muere y declara que, luego de la muerte, no hay nada: el resto es silencio.[1] Pero el arte traslada sentidos y el sufrimiento de Hamnet es la agonía del rey, y el duelo de Hamlet es el del padre de aquel.

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[1] «The rest is silence», son las últimas palabras de Hamlet (Acto V, escena II)

  

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[1] La novela se abre con una referencia histórica que marca la perspectiva narrativa y el tono la narración: «En la década de 1580, una pareja que vivía en Henley Street (Stratford) tuvo tres hijos: Susanna y Hamnet y Judith, que eran gemelos. Hamnet, el niño, murió en 1596 a los once años. Cuatro años más tarde su padre escribió una obra de teatro titulada Hamlet». Maggie O’Farrell, Hamnet [2020], traducción de Concha Cardeñoso Sáenz de Miera, (Barcelona: Libros del Asteroide, 2021), pos 32.

[2] Es conocido que la esposa de Shakespeare se llamaba Anna Hathaway, pero su padre Richard Hathaway la llamó «Agnes» en su testamento.